My Jack Kirby homage story

(Spoiler alert: before you read this blogpost on the creation of my Jack Kirby homage story Rotkäppchen, you should read the story itself. The german original was published in the anthology Märchen (fairy tales) by Tisch 14 and can be ordered here. You can download an english version here as a pdf file.)
Since my youth I love the comics by Jack Kirby. Just as long I draw myself and though Kirby’s work always was an important reference point my drawing, it never came to my mind to draw a declared homage to Kirby. Only in the winter 2015/16, stimulated by reading Erik Larsen’s SAVAGE DRAGON, I started to think about drawing a comic that mimics the stylistic elements and narrative structures of Kirby, exaggerates and plays with them. When I learned that a group of Viennese comic creators (Tisch 14) planned an anthology under the Theme of „Fairy tales“, a project took shape: „Little Red Riding Hood – ­ the Jack Kirby Version“ At first I thought I could just implement the well­-known fairy tale by the brothers Grimm in Kirby’s characteristic style, but after the first sketches of the characters it became clear that I had to rewrite the tale. The heroine Little Red Riding Hood had to be a superhero, and the grandmother should be more powerful than normal people to have her place in a kirbyesque cosmos. But that changed the balance of power, which is so important for a story: The wolf was no longer the major threat, on the contrary: If Little Red Riding Hood and her grandmother were powerful, the wolf was suddenly the victim. This allowed me to touch some topics that are close to my heart, such as environmental protection and animal rights.

The wolf The wolf

I decided that the story would be staged in a version of Asgard, somewhere between the home of Kirby’s Thor and the New Genesis of his New Gods. The shape of the wolf was immediately clear to me: a werewolf in Kamandi’s pants, his body shape should be reminiscent of hulking monsters like Ulik or Kalibak. Rotkäppchen became a confident young woman, a bit naive, but with a good heart. Thors Lady Sif and the young Crystal of the Inhumans were her role models, she got a tight outfit and ­ to identify her as a superhero ­ Captain America’s gloves and little wings on her red cap. As I had her wear a cap and not a riding hood, I had to stick with the original german name Rotkäppchen, which literally means Red little cap. Now it was clear that the grandmother had to take the role of the big bad, and I made her the ultimate Kirby villain: In addition to the personality of Granny Goodness she got the looks of Modok, the power of the high Evolutionary and menacing intentions like Darkseid or Galactus. I transformed the hunter from Grimm’s fairy tale into a crowd of knights or soldiers in the service of the grandmother, each in a different style, no one appears twice, all more or less faceless. Doctor Doom’s robots from Fantastic Four 84 to ­87 and many similar figures from different stories influenced their design.

Because it seemed inappropriate to me that these hunters would address Rotkäppchen and her grandmother with „Rotkäppchen “ and „grandmother“, these characters needed new names, and finally the wolf got one too. The trio Rotkäppchen, Wolf and grandmother in their new and kirbyfied shapes reminded me a little of Ariel, Caliban and Prospero in Shakespeare’s „The Tempest“, at the same time the Icelandic form of the family name allowed me to anchor Rotkäppchen and the wolf in Norse mythology: Rotkäppchen as the daughter of Donar, a.k.a. Thor, and the Wolf as the son of Fenris, the mythical wolf that plays its role in the Nordic version of the end of the world (Ragnarök): thus the name Aria Donarsdottir, Kalib Fenrisson and Prosperina were found!

So the three main characters refer to at least three different stories: Grimm’s Fairy Tales, Norse mythology (and Kirby’s version of it) and finally The Tempest. This stacking of mythologies was something that Kirby did constantly, for example in Thor’s companions Fandrall, Hogun and Volstagg: All three are residents of Asgard, and therefore enrolled in Norse mythology. Simultaneously, the template for the trio can be found in Alexandre Dumas’ Three Musketeers Athos, Portos and Aramis. Besides, each of the three own roots in various other fictional works: Fandrall is the type of hero embodied by Errol Flynn in the cloak and dagger movies of old Hollywood. The grim Hogun references Hagen von Tronje of the Nibelungenlied and Volstagg is Kirby’s version of Shakespeare’s Falstaff (The Merry Wives of Windsor, Henry IV, Part 1 and 2)

While working on Rotkäppchen, I discovered that Kirby has made a version of Little Red Riding Hood himself. And it even plays in Asgard! It was called „The Golden Apples“, appeared in Journey into Mystery 114 and crossed Grimm’s fairy tale with the Nordic myth of Iduna. It had neither fistfights nor cosmic conflict, no machinery and no Kirby Krackle. The elements of style that I wanted to have  in my Kirby homage, are missing in Kirby’s own version. So in trying to emulate Kirby’s style I made a version of Rotkäppchen more kirbyesque than as Kirby’s own, which is quite an achievement.

Ein neuartiger Workshop

von der Skizze zum Cartoon

von der Skizze zum Cartoon

Es war im Frühjahr 2015: Ein Interessent schrieb mich auf Facebook an. Er interessierte sich für einen Zeichenkurs: Gewisse zeichnerische Fähigkeiten sind vorhanden, nun galt es aber, ein konkretes Projekt bestmöglich umzusetzen und dazu brauchte er meine Unterstützung. Und der Kurs sollte nicht länger als ein Wochenende dauern.
Da es ihm nicht darum ging, Geschichten mit Bildern zu erzählen, kamen Comic- und Mangakurs nicht in Frage. Andererseits schien die grafische Klarheit typischer Comic- oder Mangastile erstrebenswert.
Der Zeichenkurs im Sommer wirkte mit fünf Tagen etwas zu lang. Also begann ich, mir ein neues Kursformat auszudenken.
Konkret ging es dem Interessenten um das Design von Verpackungen. Noch im Dialog nahm der Kurs in meinem Kopf Gestalt an und ich wusste, dass der Wochenendworkshop für die Verwirklichung einer Vielzahl von grafischen Projekten geeignet sein würde.
Es geht um Design, Typografie, die Gestaltungsmittel der Zeichnung und darum, wie die Botschaft eines Bildes optimal rüberkommt.
Der neue Workshop „Mein Bild- meine Botschaft“ wird am 1.-3. Juli 2016 zum zweiten Mal stattfinden. Er ist mein Angebot für alle, die ein zeichnerisches Projekt an einem Wochenende entwickeln und verwirklichen wollen. Beim ersten Mal im Jahr 2015 haben KursteilnehmerInnen Weinetiketten entworfen, Illustrationen gezeichnet und Logos designt. Doch der Kurs eignet sich auch für viele andere Aufgaben zeichnerischer Art. Wenn Du also Dein eigenes Profilbild für Socia Media entwerfen und zeichnen willst, eine eigene Gruß- und Glückwunschkarte gestaltenn, Illustrationen, Ein-Bild-Cartoons, Ankündigungen, Werbung, Titelbilder etc. machen möchtest, dann ist das der Workshop für Dich. Details und Anmeldemöglichkeit hier.

Aktmalerei bei Stefan Nützel

NützelAnfang Juni habe ich – nach jahrelanger Übung im Aktzeichnen – erstmals einen Wochenendworkshop zur Aktmalerei besucht. Der Workshop wurde von Stefan Nützel geleitet, einem aus Bayreuth stammenden und seit vielen Jahren in Wien lebenden Maler, der vor allem figurative Ölbilder malt und in Wien, München und anderswo unterrichtet.
Vorab war ich gespannt darauf, wie er den Workshop und die vielen Teilaspekte der Aktmalerei strukturieren würde, um für die Teilnehmer ein sinnvolles Ergebnis an einem Wochenende zu ermöglichen. Mit Konzentration aufs Wesentliche ist das sehr gut gelungen: Komposition war nur ein Randthema, Anatomie wurde ausgespart, Farblehre und Farbmischung durch Beschränkung auf drei Grundfarben (plus weiß) minimiert. Dafür leitete Stefan die TeilnehmerInnen dazu an, sich auf Form und Tonwerte zu konzentrieren. In einigen kurzen Posen ging es darum, die Figur vom Hintergrund zu trennen. In den folgenden längeren Posen und nach einer kurzen Lektion im Farbmischen lag der Fokus darauf, die hellen von den dunklen Bereichen zu trennen. Damit war eine Struktur vorgegeben, wie man in relativ kurzer Zeit ein Aktbild anlegen kann. Je nachdem, wie lange das Modell die Pose hält, kann man die verbleibende Zeit zur Feinjustierung der Farben nutzen.
Die Ausstattung des Ateliers mit einem Podest und mehreren justierbaren Lichtquellen und die großartigen Modelle ermöglichten ansprechende Motive. Obwohl ich die meiste Zeit als einziger Teilnehmer in Acryl malte (die anderen TeilnehmerInnen arbeiteten mit Ölfarben), gab Stefan auch Tipps zur Acrylmalerei, die mich in der nächsten Zeit noch sehr beschäftigen werden.
Kurzum: Ich habe viele Anregungen für meine Malerei gewonnen und kann die Aktkurse von Stefan Nützel nur sehr empfehlen. Termine und Anmeldung auf Stefans Website.

99 Ways to Tell a Story – Exercises in Style

Buchcover Matt Madden 99 Ways to tell a Story

99 Ways to tell a Story

Inspiriert von Raymond Queneaus Stilübungen spielt Autor/Zeichner Matt Madden mit den Gestaltungsmitteln des Comic: Auf jeder Seite wird dieselbe alltägliche banale Sequenz variiert und neu erzählt: Mit anderen erzählerischen Optionen (Rückblende, innerer Monolog, etc.), mit anderen graphischen Ausdrucksmitteln (horizontale Panels, vertikale Panels, nur mit Konturlinien, ohne Konturen, etc.), in verschiedenen Genres (Kriegscomics, Liebescomics, Fantasy, etc.), in unterschiedlichen Stilrichtungen (Manga, ligne clair, Underground, etc.), den Stilen einzelner Künstler nachempfunden (Winsor McCay, Jack Kirby und andere). Nicht alles scheint dabei geglückt. Etwa wenn Sprechblasen als Objekte im Raum behandelt werden, ohne dass das durch die Stilvorgabe erforderlich wäre. Und natürlich ist bei 99 Variationen auch mancher Unfug dabei. Doch wer sich als Leserin oder Leser auf dieses Experiment einläßt, ist gefordert nachzuspüren, wie eine jede stilistische Variation wirkt, wie sie das lesende Bewusstsein beeinflußt. Das ist eine sehr spannende Erfahrung, und wenn man sich selbst mit dem Zeichnen von Comics oder Manga beschäftigt, durchaus instruktiv. Und stellenweise sehr witzig, denn in den Genrevariationen werden die Standards der jeweiligen Richtung bis ins Parodistische getrieben, was mich besonders bei der Fantasyseite und der EC-Comicseite (Exorcise in Style) zum Lachen gebracht hat. Insgesamt bietet 99 Ways to tell a Story – Exercises in Style eine einzigartige Leseerfahrung, die ich allen empfehlen kann, die sich für das Erzählen mit Bildern interessieren.

Der richtige Zeichenkurs

„Ist der Mangakurs richtig für mich? Ich kann ja gar nicht zeichnen!“
„Sollte ich nicht lieber zuerst den Zeichenkurs besuchen, bevor ich den Comickurs mache?“
Ich erhalte diese und ähnliche Fragen über das zeichenkurs.at-Anfrageformular.
Hier meine Antwort:
man braucht für die Manga- und Comicworkshops keine besonderen zeichnerischen Erfahrungen oder Fähigkeiten.
Jeder Mensch, der schreiben gelernt hat, hat damit auch ausreichende Zeichenkenntnisse , um sich in einfachen Bildern auszudrücken. Ich setze kein zeichnerisches Mindestniveau voraus, sondern unterstütze alle TeilnehmerInnen dabei, auf ihrem jeweiligen zeichnerischen Niveau ihre Geschichten zu erzählen und ihre jeweiligen Zeichenfertigkeiten zu verbessern.
Deine zeichnerischen Fähigkeiten sind so wie sie sind, und egal wie dürftig oder fortgeschritten die Fähigkeiten der TeilnehmerInnen sind, alle können in meinen Workshops Comics oder Manga entwickeln und umsetzen, natürlich auf dem jeweiligen zeichnerischen Niveau, wobei mit Sicherheit gewisse Fortschritte auch bei der zeichnerischen Kompetenz erzielt werden.
Vom Anfänger zum Meisterzeichner an einem Wochenende gibt’s aber nicht, schon gar nicht in einem Workshop, dessen Schwerpunkt auf dem Erzählen mit Bildern (Comics, Manga) und nicht auf der Vermittlung zeichnerischer Kompetenzen liegt.
Wenn Du also glaubst, dass Du mit selbst entwickelten Figuren und Geschichten Freude haben kannst, auch wenn sie nicht ganz perfekt gezeichnet sind (bzw. halt mehr oder weniger so, wie Du jetzt zeichnest, mit kleinen Verbesserungen, die Du mit meinen Tipps sicher erzielen kannst), dann ist einer meiner Comic- oder Manga-Workshops richtig für Dich.
Falls Du aber vor allem „ordentlich“ zeichnen lernen willst, würde ich Dir meinen Zeichenkurs empfehlen.

Der Mythos vom Talent

Wer zeichnen lernen möchte und beharrlich zeichnet, wird auch Fortschritte machen. Leider sind viele merkwürdige Glaubenssätze über das Zeichnen und andere künstlerische Fertigkeiten weit verbreitet. Da geht es dann um Talent und Begabung, der Geniekult ist nicht fern, und wer kein Talent hat, hat eben Pech gehabt. Tatsächlich ist das Glaubensmuster, das mit dem Begriff „Talent“ assoziiert wird, absolut unproduktiv, wenn es darum geht, eine Fertigkeit wie das Zeichnen zu erlernen. Darum lassen wir in meinen Kursen dieses Konzept aus dem Spiel und ersetzen es durch den Glaubenssatz: Alle Fertigkeiten, die ein Mensch beherrscht, kann jeder andere Mensch lernen. Also: Jeder kann zeichnen lernen! Auf der Grundlage dieses Modells habe ich schon hunderte Kursteilnehmer dabei unterstützt, zeichnen zu lernen, Comics und Cartoons zu entwickeln, Karikaturen zu zeichnen und mehr.
Jeder Mensch in unserem Kulturkreis bringt die Grundvoraussetzungen zum Zeichen mit: Wir können Linien und Kurven zu wieder erkennbaren Zeichen zusammenzusetzen, das haben wir gelernt, als wir schreiben lernten!
Zeichnen ist ein Bündel unterschiedlicher Fähigkeiten, von denen jede trainiert und erlernt werden kann.
Die Annahme „Ich kann nicht zeichnen.“ generalisiert zu Unrecht die Tatsache, dass die komplexeren Fähigkeiten noch nicht ausreichend gefördert worden sind und verkennt andererseits den Umstand, dass grundlegende Fähigkeiten zum Zeichnen immer vorhanden sind.

Joe Kubert spricht über seine Arbeitsweise

Joe Kubert, einer der einflussreichsten Zeichner in der Geschichte der amerikanischen Comics hat bereits in den 40er Jahren des vorigen Jahrhunderts Comics gezeichnet und veröffentlicht und war bis kurz vor seinem Tod am 12. August 2012 aktiv. Seine Arbeiten im Kriegs- und Westerngenre, seine Tarzan-Interpretation und unzählige Covers insbesondere für DC-Comics sind legendär. 1976 gründete er die Joe Kubert School of Cartoon and Graphic Art, wo spätere Profis wie Matt Hollingsworth, Stephen Bissette, Rick Veitch oder Amanda Conner ihr Handwerk lernten. Kuberts Zeichenbuch Superheroes – Joe Kuberts wonderful world of Comics zählt zu den besten Referenzen für das Superheldengenre.

eine Doppelseite

Joe Kubert's Tor


In diesem kurzen Youtube-Interview erklärt Joe Kubert seinen Arbeitsprozess.

Er betont, dass es die wichtigste Aufgabe des Cartoonisten ist, eine Geschichte zu erzählen: Wer die schönsten Bilder zeichnet, die aber die Geschichte nicht voranbringen, hat seine Aufgabe verfehlt. In seinem Arbeitsprozess konzentriert sich Kubert zunächst auf die Geschichte und schreibt sie nieder, erst dann beginnt er die Seiten zu skizzieren, wobei jedes Bild einen Storypunkt rüberbringen muss: Ein Bild-eine Handlung. In der Layout-Phase arrangiert er die Bilder oftmals um, um der Geschichte den Raum zu geben, den sie braucht. Das Lettering ist ein wesentlicher Teil der Komposition. Daher gehört es zu den Aufgaben des Zeichners, zu bestimmen, wo die Texte hinkommen, auch wenn er sie nicht mehr händisch hineinschreibt sondern digital einfügt.
Auf Youtube und anderswo im Netz kann man weitere Videos mit Kubert finden. Ich finde es schön, dass uns damit neben der gigantischen Hinterlassenschaft an wunderbaren Comics auch persönliche Aussagen dieses großen Comic-Künstlers erhalten bleiben.

4 Methoden, wie Du Deine Zeichnungen kontinuierlich verbessern kannst

Niemand macht auf Anhieb fehlerfreie Zeichnungen, man braucht immer die Möglichkeit zur Korrektur. Natürlich kann man radieren, das hat aber den Nachteil, dass Graphitspuren bleiben und das Papier darunter leidet. Viel besser ist es mit einer der folgenden Methoden eine neue verbesserte Zeichnung auf einem neuen Blatt zu machen.
1. einfach ein neues Blatt Papier darüberlegen und die richtigen Linien auf das neue Blatt übertragen, die falschen korrigieren. Das funktioniert dann, wenn das Papier ausreichend transparent ist. Die meisten Kopierpapiere mit 80 g/m² sind dafür ausreichend durchsichtig, sofern sie nicht glanzbeschichtet sind. Die professionellere Variante dieser Methode: man nimmt Transparentpapier.
2. der Leuchttisch: ob groß oder klein, ob gekauft oder selbstgebastelt, jeder Leuchttisch funktioniert nach demselben Prinzip: Die Zeichnung und das neue Blatt liegen auf einer Glasplatte, die von hinten beleuchtet wird. So wird die Zeichnung auf dem neuen Papier sichtbar und kann durchgezeichnet werden, wobei man natürlich die offensichtlichen Fehler korrigieren kann.
3. das Projektionsgerät: diese optische Vorrichtung ist meist an einem höhenverstellbaren Galgen aufgehängt, mit dem man den Grad der Vergrößerung bestimmen kann. Zusätzlich zur Korrektur hat diese Methode auch noch den Vorteil, dass man seine Zeichnung dabei vergrößern kann. Diese Projektoren findet man im Künstlerbedarfshandel, außerdem gibt es Digitalprojektoren, die allerdings voraussetzen, dass die Vorlage zunächst eingescannt wird.
4. Ebenentechnik in dem Bildbearbeitungsprogramm Deiner Wahl (bei digitaler Arbeit)
Kennst Du weitere Methoden, wie man Zeichnungen überarbeiten kann ohne zu radieren? Dann beschreib sie doch unten im Kommentarbereich!

Comics sind Kunst!

Zu Beginn des Internationalen Literaturfestivals Berlin haben zahlreiche Künstler, Verleger und Kulturveranstalter am Montag ein Comic-Manifest veröffentlicht. Darin fordern sie, dass das Comic-Medium als eingenständige, der Literatur und dem Film gleichwertige Kunstform anerkannt wird, Comicschaffende dementsprechend staatlich gefördert werden und ein Deutsches Comicinstitut eingerichtet wird. Das Börsenblatt und der Tagesspiegel berichteten darüber. Hier der Originaltext des Manifests: ilb13.ComicManifest
Dass dieses Manifest überhaupt nötig ist, weist auf das ungeheure Versagen der Kulturpolitik hin, die nach wie vor zwischen „guten“ (=förderungswürdigen) und „schlechten“ Kuunstformen unterscheidet.